El artista suizo nos habla de los procesos por detrás de sus últimos videos de animación
Atar una cámara en el neumático de un coche, controlar un drone para hacer collages digitales y transformar ciudades en modelos en 3D son algunos de los experimentos visuales que el diseñador gráfico suizo Dirk Koy (Basilea, 1977) realiza a menudo.
Sus trabajos han sido exhibidos en festivales de cine, de música y en museos internacionales, y nos invitan a viajar por ellos, interactuar y disfrutar de unos paisajes abstractos conseguidos con una mezcla astuta entre lo analógico y lo digital.
El profesor del Instituto de Comunicación Visual de la HGK Basel trabaja de manera comercial pero sus videos mantienen un expresivo carácter experimental: cada experiencia es un descubrimiento, cada error puede convertirse en virtud. Hemos hablado con él para conocer mejor su trabajo.
P. Te graduaste en 2002 en Comunicación Visual en la HGK Basel donde hoy eres profesor. Desde entonces hasta ahora han habido enormes cambios tecnológicos en esta industria, y parece que son cada vez más rápidos aunque la primera década de este siglo ha sido realmente especial en este sentido. ¿Cómo describes el impacto de estas transformaciones en tu trabajo?
R. En términos de campos creativos para mí este desarrollo tecnológico es muy interesante. Con ello vino y vendrá muchas posibilidades de realizar nuevas ideas. Yo trabajo con la creación de imágenes, de modo que toda nueva tecnología me ayuda a descubrir cosas nuevas. Por ejemplo, en Luftraum (2019) yo descubrí como utilizar un drone para crear un collage en movimiento. En Escape Route (2017), una pieza en 360º, yo he utilizado la tecnología de fotogrametría que convierte fotografías en modelos 3D. Y en el video The Time Tunnel (2014) está rodado con una camera en la rueda de un coche, lo que es posible hoy porque las cámaras son cada vez más pequeñas.
P. ¿Y en tus clases? ¿Cuáles son, en tu opinión, los mayores cambios en la manera que la Comunicación Visual es enseñada hoy?
R. ¡La base sigue siendo la misma! Es importante que los estudiantes tengan una buena base de conocimientos en el campo del diseño gráfico, imagen en movimiento y diseño interactivo. Lo que se ha vuelto más intensa es la fusión entre estas areas. Es importante pensar y trabajar en cross media, transferir ideas del diseño gráfico a las imágenes en movimiento, diseño interactivo y viceversa.
P. Tus videos son únicos, e incluso los videos musicales tienen este toque experimental. Mi impresión es que jugar con diferentes espacios –construyéndolos, deformándolos y convirtiéndolos en imágenes– es una de tus grandes exploraciones estéticas, ¿eso es así? ¿Qué has aprendido de ello? ¿Puedes compartir algunas impresiones con nosotros?
R. Sí, eso es. Yo veo mi trabajo como imágenes en movimiento, pinturas en movimiento entre la abstracción y lo concreto. Para conseguir este componente gráfico yo mezclo habitualmente técnicas analógicas y digitales. También busco provocar errores de software y ordenadores para tratar de aprender cómo puedo influenciar y controlar estos errores para luego utilizarlos como un lenguaje visual. Mezclar creaciones analógicas y digitales tienen un potencial enorme.
P. En Zurich 2.0 y Escape Route vemos una ciudad siendo construida y desapareciendo en 3D delante de nuestros ojos. ¿Cuánto tiempo se tarda en hacer una animación de este tipo? ¿Puedes explicarnos un poco de cómo ha sido el proceso?
R. Cada trabajo se ha realizado en más o menos dos meses. Están hechos con tecnología de fotogrametría, que convierten las fotografías en modelos en 3D. Lo que hice ha sido fotografiar varias areas de Basilea y Zurich y generar modelos en 3D de ellas. Luego he trasladado estos modelos en a un software 3D. En Escape Route he utilizado trozos de ciudades para crear una partitura visual para la música de Boris Blank, del grupo suizo de electro-pop Yello. También estaba interesado en desarrollar diferentes estilos visuales que estuviesen conectados con el ritmo de la música. En Zurich 2.0 he experimentado con la malla de los modelos en 3D para hacer una especie de collage digital. Los dos trabajos son animaciones en 360º, así que los tuve que renderizar en 4k, lo que ha tardado bastante.
P. La interacción en estos videos es algo super guay y cercana a la experiencia de la realidad virtual. ¿La VR es tu próximo paso?
R. En estos momentos estoy trabajando en proyecto de video y animación llamado Intersect. El él examino las tensiones entre la artificialidad de lo natural. No es un proyecto en realidad virtual, pero seguramente la probaré en el futuro. Después de trabajar con animaciones en 360º como Zurich 2.0 y Escape Route, donde el espectador puede seleccionar libremente su ángulo de visión, me di cuenta de que también me gusta mucho trabajar con marco exactamente definido de 16:9 donde puedo poner los elementos de manera precisa y el espectador puede ver la animación de la manera que la he creado.
P. Tus videos han sido vistos de festivales de cine, festivales musicales, museos. ¿Cómo compatibilizas el enfoque experimental con el comercial?
R. Lo experimental es lo más importante para mí. No importa si es un proyecto en el campo de la comunicación visual o si es un proyecto libre. La mejor cosa que puede pasar es que yo descubra algo nuevo.
P. Y por último, ¿cuál es tu consejo para los estudiantes que han decidido coger esta ruta?
R. Que siempre se mantangan curiosos y nunca dejen de observar las cosas del día a día para seguir inspirándose.
Puedes ver más videos de Dirk Koy en su canal de Vimeo y en su perfil de Instagram.
