Art Basel 2019: Unlimited sector

Instalaciones inmersivas, videoarte y obras de gran tamaño han compuesto el sector más popular de la feria

Art Basel es, sin duda, la feria de arte más importante del circuito de arte internacional. Sin embargo, no todo son ventas millonarias y contactos entre los profesionales del sector. En el pabellón Unlimited, el más popular de la feria y curado por la octava vez por Gianni Jetzer, hemos encontrado 75 trabajos de los más variados estilos. Hay que programar con antelación el tiempo de visita y preparar los pies para caminar no solo entre las principales galerías del mundo, como también entre las grandes instalaciones que suelen hacer las delicias del público.

Hemos encontrado desde producciones en realidad virtual como performances, instalaciones de todo tipo, fotografía, videoarte, pintura y esculturas. Aquí resumimos algunas de nuestras obras favoritas:

 

XU ZHEN®, Nirvana, 2019. Galería Perrotin, Paris, Nueva York, Tokio y Seul

 

 

Las prácticas en las mesas de casino como la ruleta o el bacará son resignificadas. La performance consiste en pintarlas a través de la técnica tibetana de la construcción de mandalas con arena. El proceso, en sí mismo meditativo, concluye con la destrucción del dibujo y lleva a reflexiones como la creación, la acción, el tiempo y la destrucción. Por ello, la superposición de las dos prácticas sugiere una nueva interpretación de estos conceptos en contraste con un espacio altamente capitalista.

 

Mircea Cantor, Aquila Non Capit Muscas, 2018. Galería Magazzino, Roma

 

 

La traducción del título de la instalación del latín es “el águila no coge moscas”. Se trata de un video grabado en alta definición y en slow motion donde en un primer momento vemos en profundidad el vuelo de un águila en ataque. Pronto nos damos cuenta de que el águila está defendiendo su territorio de un drone, símbolo de la tecnología. El artista busca reflexiones sobre los otros habitantes del planeta que en general no vemos, el avance de la técnica y la invasión de sus territorios.

 

Joan Semmel, Skin in the Game, 2019. Galería Alexander Gray Associates, Nueva York

 

 

El óleo sobre lienzo, de considerable tamaño (244 x 731.5 cm), centra sus ideas en las cuestiones del cuerpo, el deseo, el envejecimiento y la identidad. Joan Semmel es una voz activa de la segunda ola del feminismo, y su trabajo responde a las ideas traídas por la pornografía, la cultura popular y la mirada masculina. Esta obra es de las más grandes hasta entonces realizadas y sigue en la exploración de los autorretratos desnudos, representando su cuerpo en diferentes posiciones y escalas. Según ella, todavía se está lidiando con la sexualidad y el deseo, pero no con la seducción.

 

Do Ho Suh, Hub, 260-7 Sungbook-Dong, Sungbook-Ku, Seul, Korea, 2017. Galerías Lehmann Maupin, Nueva York y Victoria Miro, Londres

 

 

El artista coreano es conocido por sus instalaciones en relación directa con la arquitectura y la idea de hogar. En general, gran parte de su trabajo se centra en las relaciones autobiográfica que ha mantenido a lo largo de su vida con diferentes viviendas, por lo que ya ha reconstruido en forma de instalación una buena cantidad de ellas. En Hub, construida con poliéster y acero inoxidable, Do Ho Suh explora las relaciones del cuerpo con el espacio, así como las relaciones entre lo personal y lo colectivo, ya que se trata de la representación de un espacio privado.

 

Jonathas de Andrade, Eu, mestiço (Me, mestizo), 2017. Galería Continua, San Gimignano, Italia

 

 

Una serie de retratos en blanco y negro de hombres y mujeres hechos entre 2016 y 2017 en varias ciudades de Brasil. Como criterio de fondo, el artista trae algunas palabras clave del libro Race and Class in Rural Brazil, publicado por la Universidad de Columbia en 1950. El estudio invitaba al público a dar su opinión en fotografías de personas negras, blancas y mestizas, con atributos como belleza, riqueza, inteligencia, religión, honestidad, y aptitudes para trabajar. La instalación trajo las fotografías combinando dos lineas históricas: fotografías recientes con la terminología de los años cincuenta para poner en una perspectiva histórica la cuestión racial y la lucha de las generaciones actuales.

 

Alicia Framis, LifeDress, 2018. Galería Juana de Aizpuru, Madrid

 

 

Los trajes que visten las esculturas de Alicia Framis se inflan y desinflan. Están hechos con materiales de los airbags de los coches. Cada vestido está, pues, hecho para proteger contra diferentes formas de acoso y diseñados para reaccionar cuando la intimidación sucede. Como se puede imaginar, en el movimiento de la feria y con los visitantes pasando entre ellos, reaccionaban incesantemente y de manera coreográfica. El trabajo de Alicia es una suerte de activismo y se centra en la combinación de la tecnología y los problemas relacionados con la disparidad y el derecho de las mujeres.

 

Guiseppe Penone, Cedro di Versailles, 2000-2003. Gagosian, Nueva York

 

 

Penone es un nombre conocido del Arte Povera, movimiento artístico italiano surgido a finales de los años sesenta. En sus esculturas, instalaciones y fotografías, el artista manifiesta la dinámica entre los seres humanos y la naturales. El árbol expuesto tenía alrededor de 194 años y se cayó del parque de Versailles en 1999 debido a una tormenta. En la escultura, trabajada internamente por el artista, se trata de devolver la estructura interna del árbol a sus primeros momentos de la vida.

 

Jannis Kounellis, Untitled, 2000. Galería Karsten Greve, St. Moritz, Suiza

 

 

Kounellis es otro artista pionero del Arte Povera. Su instalación consiste en varias camas de hospital militar y “cuerpos” esculturales hechos de acerco cubiertos con una fina manta. La instalación busca evocar sensaciones relacionadas con el frío, el calor, lo duro y lo blando, y todos los sentimientos relacionados que puedan traer los propios visitantes.

 

Olaf Nicolai, Big Sneacker (The Nineties), 2001. Galerie Eigen + Art, Berlin

 

 

La escultura hinchable, que magnifica las proporciones del Nike Air Max, invita a los visitantes a entrar en ella y, por supuesto, a hacer miles de fotos. La instalación en sí contrapone su tamaño a su peso extremamente bajo, por lo que se mueve fácilmente. En la parte trasera de la escultura se reprodujo el texto de Zadie Smith, publicado en la revista The Face, con el título A Short Catalogue Of Things That You Think You Want [Un pequeño catálogo de las cosas que piensas que quieres]. Según el artista, se trata de mezclar diversión y reflexión.

 

Daniel Knorr, Laundry, 2019. Galería Meyer Riegger, Berlin

 

 

En una discusión sobre el mundo del arte, los lienzos se convierten en esculturas en forma de coches que pasan por una maquinaria que los pinta, como en un lavado. Los visitantes pueden ver todo el proceso donde las esculturas pasan por la pintura, las frases en el tren de lavado, y además de las asociaciones entre la historia del arte, el arte contemporáneo y el mercado del arte.

 

Andreas Angelidakis, Post-Ruin (Pink), 2019. Galería The Breeder, Atenas

 

 

Una instalación donde el público está invitado a participar, sentarse y jugar, como así lo han hecho los miles de visitantes de todas las edades de Art Basel. La obra está hecha para ser reconfigurada: los módulos cambian fácilmente de lugar, y el espacio se convierte en un lugar de diversión y descanso adaptable a cualquier situación. La obra ha sido incialmente producida para la serie Demos para en el Documenta 14 e hizo parte del programa The Parlament of Bodies [El parlamento de los cuerpos].

 

Steven Parrino, 13 Shattered Panels (for Joey Ramone), 2001. Gagosian, Nueva York

 

 

La instalación está dedicada al cantante de la banda de punk rock The Ramones. El trabajo recrea los resultados de la acción violenta de doblar y romper paneles pintados en un color negro brillante. La manera en que ellos se disponen, quedan a medio camino entre la pintura y la escultura. En una época de brutalidad en lo que se refiere a diferentes ámbitos de la sociedad, la instalación evoca una reflexión sobre el nihilismo, la falta de sentido y orden.

 

Paul McCarthy, Coach Stage Stage Coach VR experiment Mary and Eve, 2017. Galería Hauser & Wirth, Los Angeles

 

 

Aquí los visitantes pudimos probar la experiencia agobiante de la claustrofobia combinada con las relaciones interpersonales con los diferentes personajes presentados en sus 11 videos. La obra experimental es parte de otro proyecto del artista, Stagecoach. Los videos están inspirados en el western de John Ford (Stagecoach) de 1939, y muestran dos personajes, Mary y Eve. La claustrofobia y el acoso de los personajes y sus dobles son parte esencial de la experiencia. Los visitantes acabamos participando de la alucinación y del constante juego psicológico de los personajes que escala hasta la violación y la humillación.

 

 

Kaarel Kurismaa, Steam Express and Halts, 1993. Temnikova & Kasela, Tallinn, Estonia

 

 

Compuesta de muebles y objetos encontrados, la obra habla de las memorias de la infancia. Los postes son las dos paradas donde el artista miraba cómo pasaban los trenes, y las señales con sus movimientos y sonidos muestran el camino hacia la edad adulta, desde la visión del infante.