Anna Perach trabaja en el límite entre la performance y la instalación. Hablamos con la artista ucraniana-israelí sobre sus principales obras
Mezclando escultura, performance e instalación, Anna Perach (Zaporiyia, URSS, 1985) nos lleva a un viaje por los entresijos de la cultura humana. Nacida en la antigua Unión Soviética, donde hoy es Ucrania, también su historia personal está marcada por las diferentes culturas en las que ha vivido.
Ucrania, Israel, Londres. Este entrelazamiento de ideas caracteriza íntimamente su obra. Primero, en la Goldesmiths University de Londres, donde aprendió, entre otras técnicas, el tufting. Después, la costura alfombras dio paso a sus esculturas vestibles y, con ellas, una serie de obras colaborativas en las que participan directores, performers y músicos.
Para Anna Perach, combinar la performance con las instalaciones es también una manera de investigar sobre lo invisible. Simultáneamente, ella da un paso a la conservación de este arte efímero que es la performance, materializándolo en sus esculturas.
Es más, la dinámica del movimiento, ensamblada a su mitología personal, genera obras impactantes y difíciles de olvidar. Es el caso de Seven Wives («Siete esposas»), basada en el cuento de Barba Azul de 1697. En esta pieza, las siete máscaras colgadas parecen ir más allá del dualismo mente y cuerpo.
Entre el mito, el folclore y la psicología, diferentes arquetipos entran en escena en la práctica de artista ucraniana. La figura femenina como la Madre, la Bruja y la Amante, ocupan un papel central, aunque también cobra importancia la Casa, como símbolo de uno mismo.
Anna Perach ha presentado su trabajo en ARCOmadrid 2021 junto a The Ryders Projects. Actualmente, sus obras pueden verse en As She Laughs, con Anousha Payne, en la Cooke Latham Gallery de Londres, hasta el 4 de febrero. A partir de marzo podrán verse en la galería Edel Assanti, también en Londres.
P. Has estado en la edición del año pasado en ARCOmadrid con la galería The Ryder Projects. ¿Cómo fue la experiencia?
R. Ser parte de una feria tan importante como Arco Madrid fue una oportunidad muy emocionante para mí de exponer mi práctica al mundo del arte español y europeo. Es realmente crucial para la carrera de un artista participar en este tipo de eventos para ponerse en contacto con curadores y coleccionistas relevantes. Estoy muy agradecida con la galería Ryder Projects por incluirme en su stand junto a otros artistas fantásticos, como Saelia Aparicio.
P. En tu obra mezclas escultura y performance, ¿cómo apareció la performance en tu vida?
R. Siempre me inspiré en la narración y la construcción de entornos inmersivos, y me encanta cómo se construye dentro de los mundos del teatro y la moda. Experimenté antes con el uso de textiles en mi trabajo escultórico, pero sentí que estos intereses se traducían mejor a través del trabajo de instalación.
Sin embargo, cuando descubrí el Tufting [técnica de costura de alfombras], comencé a experimentar con la fabricación de máscaras, que gradualmente se convirtieron en «armaduras corporales» más grandes, o escultura vestibles.
El elemento utilizable me llevó a pensar en cómo se mueve la obra y dónde existe. Por consiguiente, me llevó a desarrollar una práctica de interpretación colaborativa, que incluye un director de movimiento, performers y un productor de sonido.
P. Tus esculturas vestibles parecen hacer referencia a culturas exóticas, ¿no es así?
R. Mi práctica se inspira mucho en el folclore y la mitología. Cuando comencé a hacer las prendas vestibles, la referencia principal ha sido el folclore eslavo, que es parte de mi cultura. A medida que mi práctica se fue desarrollando comencé a trabajar con arquetipos, símbolos o personajes junguianos que aparecen en la mayoría de las culturas como la Madre, la Bruja o la Amante. Este enfoque me permitió desarrollar gradualmente mis propios personajes que se refieren a historias antiguas pero también son nuevos.
P. Tus máscaras tienen mucha fuerza, son piezas difíciles de olvidar. ¿Qué significado tienen para ti?
R. Gracias por decir eso. Es realmente genial escuchar que las experimentas como algo impactante. Cada personaje, máscara o escultura vestible tiene la doble cualidad de ocultar y revelar algo sobre el personaje y sobre la persona que lo encarna. Esta tensión entre adentro y afuera es un elemento clave en mi trabajo.
P. ¿Cómo empezaste a trabajar con la costura de alfombras (tufting)?
R. Antes de trabajar con el tufting, experimenté con el bordado. Me emocionaba emplear una técnica artesanal que a menudo se asocia con la domesticidad y el kitsch, y subvertirla creando imágenes desconcertantes.
Cuando estudié mi maestría en Bellas Artes en la Goldsmiths University de Londres, conocí la técnica de la costura de alfombras y lo vi como una oportunidad para desarrollar aún más mi trabajo de bordado a una escala mucho mayor. Como inmigrante de la Unión Soviética mientras crecía, el piso de mi familia estaba lleno de alfombras decorativas, por lo que crear mis propias alfombras tiene un significado personal y familiar para mí.
P. Tanto en la forma, como en la técnica y los materiales, parece que la mujer y lo femenino tienen un papel importante en tu obra, ¿es así?
R. Sí definitivamente. Mi práctica gira en torno al espacio doméstico e históricamente femenino como un lugar donde residen el mito, el pasado y el futuro. La cultura occidental posicionó a la mujer como el centro del hogar y en ese sentido todos los artefactos domésticos son extensión de su cuerpo, deseos y necesidades. En mis instalaciones / performances exploro la “sombra” de esta relación entre la mujer y el hogar.
P. ¿Has vivido en Ucrania, Israel y Londres? ¿Cómo se refleja este trasfondo cultural en tu trabajo?
R. Mis esculturas vestibles de alfombra cosida provocan una sensación de extrañeza. Son dispares a su entorno y, a veces, incluso a la persona que los encarna. Esta cualidad de mi trabajo se relaciona con mis experiencias personales de desplazamiento geográfico y cultural. Tener una identidad cultural mixta me hace muy sensible a cómo las personas eligen presentarse y cómo son percibidas por los demás. Esta sensibilidad me atrajo inicialmente a la idea de la máscara como una herramienta que lo coloca a uno como parte de un patrimonio cultural al mismo tiempo que disfraza la identidad individual de uno mismo.
P. En Home tu personaje entra y sale de su casa. ¿Qué importancia tiene lo doméstico en tu trabajo?
R. En terapia, la imagen de la casa generalmente se presenta como una metáfora del sentido de uno mismo. Igualmente, aplico una percepción similar sobre el hogar dentro de mi trabajo. Es una estructura física externa que lo mantiene a uno a salvo, pero también un reflejo de las percepciones internas de quiénes son y cómo quieren que los demás los vean. Estoy particularmente interesada en la decoración de interiores, ya que a menudo retrata el origen cultural y social de uno, así como los deseos y aspiraciones inconscientes.
Por eso, en Home, estaba jugando con despojar la estructura de la casa a la representación más mínima mediante el uso de un plano de planta y una puerta. En cambio, el ritual del personaje era entrar y salir de la casa para simbolizar la transición.
P. ¿Puedes hablarnos un poco de Travel between worlds que presentaste en Elephant West el año pasado?
R. La actuación exhibió dos piezas de alfombra cosida, Alkonost y Pretty Lady (Kim). Ambos eran parte del cuerpo de trabajo que tardó dos años en completarse y estaba compuesto por cinco esculturas de alfombra cosida, en parte vestibles y en parte independientes, tituladas con el mismo nombre.
En ese momento estaba explorando la relación entre una pieza vestible y una no vestible. Lo cierto es que ambas pertenecen al mismo universo y se activan mutuamente. El movimiento de uno provocando la quietud del otro y al revés. ¿Qué relaciones se forman entre ellos? ¿Qué calidad de movimiento es apropiada? ¿El movimiento es necesariamente para que el público se identifique con estas piezas? Básicamente, estaba tratando de entender la dinámica entre las posibilidades duales de las piezas como instalaciones performáticas y escultóricas.
P. En Seven Wives, las máscaras cuelgan de un hilo, como trozos de carne en un matadero. Como en Travel between worlds los gestos parecen muy importantes. ¿Cuál ha sido la inspiración para este trabajo?
R. Seven Wives se inspiró en la historia de Bluebeard, un cuento sobre un hombre mayor y rico que se casa con mujeres jóvenes y las asesina. Es una famosa ilustración de la historia muestra a las esposas muertas colgando de sus cabellos. Otra fuente de inspiración para la obra es la descripción de Freud de la histeria como una condición que se origina en el cuerpo femenino descontrolado.
En Seven Wives pensé en cada cabeza como una de las esposas asesinadas, colgando de una cuerda como carne. Para mí, las cabezas son un símbolo de lo racional y controlado, mientras que el cuerpo ausente es representativo de lo orgánico y misterioso que se experimenta como una amenaza en la sociedad dominada por los hombres. Además, durante la actuación hay un intento de reconectar la cabeza y el cuerpo y su significado simbólico. Esta conexión es de naturaleza violenta e inquietante como lo fue el acto de la desconexión en la historia.
P. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
R. Recientemente inauguré una exposición con Anousha Payne en la galería Cooklatham de Londres y estará a la vista en febrero.
A finales de marzo tengo un proyecto en solitario en el espacio de Edel Assanti en Londres.
‘As She Laughs’ puede visitarse hasta el 4 de febrero de 2022 en la Cooke Latham Gallery de Londres. Puedes ver otras obras de Anna Perach en su página web y en su perfil de Instagram.
