Justine Otto: “Ser valiente y desafiarse hace parte de la pintura”

La artista alemana Justine Otto nos habla de sus técnicas e inspiraciones. ‘New Traditionalists’ se inauguró el pasado 6 de marzo en Wiesbaden

Personajes misteriosos habitan los paisajes alucinógenos de Justine Otto (Zabrze, Polonia, 1974). La artista alemana trabaja actualmente, entre los límites de la figuración y la abstracción, escenas que con frecuencia nos remiten a la vida en el campo.

Sus obras tempranas, más figurativas, confrontan a niñas adolescentes con sus sentimientos. Posteriormente, temas tradicionales de la figuración, como el estatus del que posee un caballo, se han ido sumando a su imaginario. La artista los ha incorporado mientras pensaba en los mitos de la masculinidad y las brechas entre realidad e ilusión.

Con retratos de nos recuerdan las pinturas de Francis Bacon y George Condo, Justine combina sus óleos con esculturas en cerámica que participan de la misma atmósfera de ensueño. Al principio de su carrera, ella trabajó con escenografía en el Teatro Municipal de Frankfurt y asegura que hasta hoy la experiencia resuena en el montaje sus exposiciones.

Otto estudió Bellas Artes en Frankfurt. Pasó un año en la Academia de Brera de Milán aprendiendo escultura que junto con la pintura es su técnica preferida. Hoy vive y trabaja en el campo, y entre Hamburgo y Berlín. Sus obras hacen parte de una veintena colecciones públicas y privadas en Europa y Estados Unidos.

Hace unos años, tuve la suerte de ver sus pinturas en Berlín y en la feria Swab de Barcelona en 2021. ‘Cowboy’ me arrastró la mirada e impresiona todavía más en persona.

El pasado 6 de marzo se inauguró su exposición individual ‘New Traditionalists’ en el Frauen Museum de Wiesbaden en Alemania. En ella la artista reinterpreta la iconografía tradicional con las múltiples capas de sus obras.

No será la única ocasión para ver las obras de Justine Otto en Alemania. Ella tiene más exposiciones programadas para este año, según me cuenta en esta entrevista.

 

 

 

 

 

 

P. Has venido a España el año pasado en Swab. ¿Cómo fue la experiencia?

R. Fue la primera vez que fui a Barcelona. ​​Allí conocí gente realmente maravillosa y de mente abierta. Incluso algunos artistas de Berlín, que conocía de antes y viven allí ahora. Fue muy agradable volver a encontrarme con ellos. Pero fue bastante difícil vender obras, ya que parecía que la gente estaba un poco desangrada después de la época de la pandemia.

 

 

 

 

 

 

P. Los caballos suelen estar presentes en tu obra. ¿Por qué son tan importantes para ti?

R. Sí, eso es cierto, hay algunos caballos, pero sobre todo junto con cazadores o vaqueros. Durante este tiempo, estaba muy preocupada por el tema del heroísmo, es decir, las imágenes míticas masculinas que reinterpreté en mi pintura. Empecé pintando soldados u oficiales a partir de viejas plantillas fotográficas, pero traduciéndolas mucho a un lenguaje abstracto, de modo que las medallas o su uniforme se convertían en meras formas u ornamentos.

De ahí llegué a los hombres de Marlboro y los vaqueros, que también son una especie de héroe moderno. Y siempre estuvieron relacionados con los caballos. De todos modos, los caballos también son un tema clásico en la pintura, al igual que los perros que aparecen en mi obra. Me gusta recurrir a esa tradición de la pintura antigua y que se la pueda reinterpretar.

 

 

 

 

 

P. También haces referencias a la vida en el campo. ¿Estamos perdiendo el contacto con la naturaleza?

R. Vivo y trabajo principalmente en el campo. De vez en cuando me traslado a las ciudades de Hamburgo o Berlín. Pero cada vez estoy más feliz de poder pasar gran parte de mi tiempo en el campo, porque es una inspiración constante para mi pintura, que en los últimos años se ha vuelto cada vez más abstracta y libre. Aquí encuentro esta libertad en las formas orgánicas de la naturaleza.

 

 

 

 

 

P. Hay escenas fragmentadas en algunas de tus obras, como en Heat y O.t. Hoax IV. ¿Son sueños?

R. En realidad no, pero como pintor inconscientemente tienes tantas influencias durante tu proceso de creación que en última instancia no lo sabes realmente.

Al hacer la serie Hoax era importante para mí traer muchos niveles de realidad a un solo plano. Tal vez por eso parecen ser como los sueños. Al mismo tiempo, sin embargo, no quería crear un espacio que virtualmente nos hiciera creer que estábamos en un solo espacio. Quería hacer visibles estas brechas entre las realidades para exponer la ilusión de la pintura. Por eso también usé cinta adhesiva que apliqué al lienzo antes del proceso de pintura. Después de pintar, los arranqué creando rayas muy rígidas e irregulares como si la luz brillara a través de ellas.

 

 

 

 

 

 

P. Son ciertamente expresivos. Y parece que los fondos también cuentan una historia. ¿Cómo los concibes?

R. Suelo hacer collages primero. Son como un andamio, que luego relleno con pintura pero que también pueden cambiar. Los temas giran como un hilo fino de una imagen a otra. Hay ciertos temas en los que trabajo y que evolucionan con el tiempo.

 

 

 

 

 

 

P. Mirando tus primeros retratos, ¿podemos decir que estás entre la figuración y la abstracción?

R. Después de mis estudios pinté figurativamente. Siempre fui bastante expresiva y el proceso de pintura estaba en primer plano para mí. Con el tiempo me volví más y más abstracta, las partes individuales de la cara eran solo una pincelada, me volví más y más libre en mis composiciones pictóricas. Encuentro particularmente emocionante explorar la frontera entre la figuración y la abstracción. Mis trabajos más recientes incluyen elementos figurativos además de pasajes completamente abstractos.

Me gusta el contraste entre el desprendimiento total, donde la pintura es completamente libre, sin restricciones por la limitación de una forma (significante) y la figuración, en la que predomina la proporción.

Trato de lograr esto variando la densidad de diferentes técnicas. A lo largo de los años, he desarrollado una amplia gama de técnicas de las que ahora puedo dibujar: pulverización, pintura húmedo sobre húmedo, cinta adhesiva, raspado, nivelación, disolución, estampado, trabajo con varias herramientas. Me gusta cuando técnicas disímiles se unen y todo el objeto se funde en una imagen resonante. No hay tabúes. Ser valiente y desafiarse a una misma es parte de lo que es la pintura para mí.

 

 

 

 

 

 

P. También hay un toque surrealista en tus esculturas. Como ocurre en tus retratos, algunos desmontan el rostro. ¿Qué significa este proceso para ti?

R. Durante mis estudios, pasé un año en la Academia di Brera de Milán, exclusivamente en la clase de escultura. Me gusta en las exposiciones cuando mis imágenes se complementan con obras en el espacio y así encuentran una continuación temática en la sala. Esto probablemente también esté relacionado con mi trabajo anterior en el teatro. Siempre hay un fondo y hay figuras al frente que proyectan sombras y todo forma una unidad.

Las esculturas son muy importantes para mí para tomar conciencia de ciertos procesos de creación en el cuadro pintado. Muchas veces lo escultórico me trae nuevas ideas para pintar y viceversa. Este fue también el caso con Multismoker. Estos son los retratos a los que te refieres. Casi diría que la pintura se ha desarrollado a partir de la escultura.

Anteriormente trabajé con figuras de porcelana encontradas, que deliberadamente rompí antes y luego recreé nuevas figuras a partir de los fragmentos con resinas epoxi. Y luego procedí de manera similar en la pintura, es decir. Creé cabezas completamente nuevas a partir de las piezas dañadas.

 

 

 

 

 

 

P.¿Hay algún medio que aún no hayas probado pero que te encantaría?

R. Durante el cierre de corona tuve la oportunidad de comenzar con la impresión. Aprendí el proceso de hacer impresiones litográficas en un estudio de impresión en el Museum für Arbeit de Hamburgo. Este es un medio maravilloso ya que es bastante parecido a la pintura. Puedes pintar en la piedra de impresión con pinceles o cualquier otra herramienta, como en el lienzo y tienes muchas posibilidades para decidir qué colores tendrá tu impresión final. Así que estoy seguro de que haré más en el futuro.

 

 

 

 

 

 

P. ¿Cuáles son tus mayores referencias o inspiraciones en el arte?

R. Crecí con libros de arte, porque mi madre estaba muy interesada en el arte y casi se convirtió en artista. Recuerdo que incluso en mi infancia pude admirar obras de Ignacy Witkiewicz, también conocido como Witkacy, a quienes siempre me han parecido muy expresivos y también algo aterradores. Pero eso también me atrajo un poco.

Antes de mis estudios, me gustaban mucho Jörg Immendorff y Eric Fischls, porque sus obras siempre tenían algo narrativo. Me encantan James Ensor y Egon Schiele. Con Egon Schiele, me gusta especialmente su enfoque altamente individual del cuerpo.

También creo que George Condo es genial. Para él, es la mezcla entre una buena pintura y una pizca de humor lo que siempre remite a la historia del arte. Me encanta de Kooning y Cecily Brown por el uso directo del color y el trazo suelto. David Altmejd con sus bellas esculturas inclinadas e instalaciones también se encuentran entre mis favoritos.

 

 

 

 

 

 

P. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

R. El 6 de marzo se inaugura mi exposición individual en el Frauen Museum Wiesbaden titulada New Traditionalists. Este año también se creará un nuevo catálogo con este título con las obras de los últimos cuatro años. Además, tengo algunos proyectos de exposición con grupos de artistas recién fundados en Frankfurt y Berlín. Además, espero con muchas ganas la exposición titulada Innen Malen en Kunstverein Montez en Frankfurt.

 

‘New Traditionalists’ de Justine Otto podrá verse en el Frauen Museum Wiesbaden en Alemania del 6 de marzo al 15 de mayo de 2022. Puedes ver más obras de la artista en su página web y a través de su perfil de Instagram.

 

 

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