Un flamenco es atacado por temibles animales marinos. Vuela sobre ellos como si la amenaza no le preocupara. Sabe que puede salir de aquella situación conflictiva a cualquier momento y, de hecho, lo hace. Observe As I Fly Away («Observa como salgo volando»), de Máté Orr (Veszprém, 1985), en estos momentos en Madrid, reflexiona sobre los trazos de la psicología humana, los sentimientos, las relaciones sociales.
Y lo hace con obras que exploran la teatralidad de los sueños en una estética que logra un diálogo fluido entre lo contemporáneo y lo clásico. En sus escenas, como en la vida misma, lo profundo debe convivir con la superficialidad y la mirada ajena. Estas capas metafóricas, autobiográficas y atemporales se reflejan inevitablemente en el vocabulario pictórico del artista húngaro. Hablamos con Máté Orr sobre su reciente visita a España y desciframos con él algunos elementos de su entramado simbólico.
P. Felicidades por la exposición en Twin Gallery, que está teniendo muy buena acogida. ¿Cómo fue tu experiencia en Madrid?
R. ¡Gracias! Mi primera visita a Madrid fue para la inauguración, y me pareció una ciudad increíble. Me sorprendió lo relajado y abierto que es el ambiente, especialmente considerando que tiene la segunda población más grande de la UE. Lo pasé muy bien visitando galerías y museos. El arte expuesto era fantástico, desde Zurbarán en el Prado hasta van Minnen en Veta.
Durante mi infancia, pasé mucho tiempo mirando libros de arte ya que no había Internet en ese momento. Uno de mis favoritos era Dalí. Creo que su estilo fue fuertemente influenciado por pintores barrocos españoles como Velázquez y Cotán, y me gusta pensar que rastros de estas primeras impresiones españolas aún afloran en mi trabajo. Así que tener la oportunidad de exponer en Madrid fue especialmente emocionante para mí, y estoy realmente encantado de que las obras hayan sido recibidas tan calurosamente.
P. Esta exposición se llama Observe As I Fly Away («Observa cómo me alejo volando»), ¿qué te llevó a elegir este título?
R. Este es el título de una pintura de la exposición que representa a un flamenco siendo atacado por un grupo de criaturas marinas viciosas. A pesar de la amenaza, el pájaro no parece alarmado, mira hacia atrás con calma y simplemente vuela sobre la calamidad. Casi podría decirnos en un tono relajado: «observa cómo me alejo volando».
Hoy en día, es fácil encontrar artículos sobre psicología y salud mental incluso en Instagram, y hay expertos célebres como el húngaro-canadiense Dr. Gabor Maté. Cuando yo crecía en Hungría, había mucha menos discusión sobre cómo entender o manejar las emociones. La idea de que la lógica podría aplicarse a nuestras vidas emocionales, que hay relaciones de causa y efecto entre lo que hacemos y cómo nos sentimos, me fue presentada por amigos que conocí en la universidad. Me atrajo inmediatamente este concepto tanto como artista como persona, tanto como artista y quizás más importante aún como persona. Con estos desarrollos ahora tenemos la base para examinar nuestras experiencias con curiosidad.
El flamenco en la pintura es un buen ejemplo de cómo puede haber más de una reacción a una situación. La respuesta automática y esperada del pájaro sería el pánico, pero en su lugar, considera sus opciones y encuentra una solución a su problema. Las obras en esta exposición exploran cómo nuestras respuestas emocionales automáticas nos sirven o nos obstaculizan en nuestras vidas.
P. Combinas figuras humanas con una serie de otros elementos, como animales, plantas y hongos. Sin embargo, la mayoría de tus figuras humanas aparecen cubiertas. ¿Por qué es eso?
R. Una vez leí que si le pides a un niño pequeño que dibuje a una persona promedio, un niño típicamente dibujará una figura masculina y una niña dibujará una femenina. Somos inherentemente egocéntricos, viendo el mundo a través de nuestra propia óptica personal.
En mis pinturas, intento capturar experiencias humanas universales, así que no quiero que el espectador piense «Oh, esta pintura es sobre José el martes pasado por la tarde». Trato de evitar usar motivos que atarían la escena a un tiempo, lugar o persona específicos. Esta es también la razón por la que generalmente omito retratos. Cuando incluyo uno, a menudo es un autorretrato porque, para mí, mi propio rostro me parece más neutral.
Los animales, plantas y hongos le dan a las escenas una cualidad de fábula. Las fábulas de Esopo usaban una técnica similar: a menudo es más fácil hablar de experiencias personales convirtiéndolas en una historia o un cuento. La metáfora y la analogía sirven como herramientas para crear esta distancia artificial, permitiéndonos vernos a nosotros mismos con mayor claridad.
P. ¿Trabajas con modelos humanos? Cuéntanos sobre tu proceso creativo.
R. Mi proceso combina el dibujo con tiza sobre papel, el dibujo digital, y también el uso de software de gráficos vectoriales para crear los elementos planos, tipo emblemas, de las pinturas. Cuando empecé, dependía mucho de referencias fotográficas y, en algunos casos, de modelos en vivo, la mayoría de las veces yo mismo.
Sin embargo, en los últimos años, he estado construyendo mis figuras de memoria, lo que me da un mayor control sobre la composición. Frecuentemente hago bocetos de ideas que simplemente se me ocurren. Estos ya contienen los elementos clave de una composición y la relación emocional entre los personajes. Después de un período de incubación, reviso los bocetos y selecciono los que todavía me parecen emocionantes. A partir de ahí, desarrollo la idea a través de dibujos detallados de los personajes.
P. Entre tus elementos hay varios objetos que destacan y crean un vocabulario particular: mesas, armas, cuerdas, volcanes, sábanas… ¿Son símiles de nuestra vida social?
R. La comunicación verbal es efectiva para transmitir ciertos tipos de información, pero el lenguaje de la psique humana está compuesto de imágenes y símbolos. Cuando soñamos, creamos imágenes y pequeños escenarios, asumiendo los roles de director, actor, observador y, al despertar, intérprete.
Las analogías que uso en mis pinturas a menudo presentan motivos recurrentes que tienen un significado personal para mí. Por ejemplo, las mesas se convirtieron en un motivo frecuente durante mis años universitarios cuando me mudaba con frecuencia, la mesa era el único elemento constante en mi vida.
El volcán es una adición reciente, ya que he pasado mucho tiempo en Sicilia en los últimos dos años. Pero estos símbolos también llevan significados universales: la mayoría de las personas reconocen un volcán o un arma como una amenaza.
Creo que los problemas sociales son problemas personales que muchos individuos enfrentan a mayor escala. Aunque cada pintura está arraigada en mis propias experiencias, creo que mi trabajo toca indirectamente ideas más amplias, como el género o la salud mental.
P. En tu trabajo, exhibes varias técnicas pictóricas que hacen que lo clásico dialogue muy bien con la estética contemporánea.¿Tienes una favorita?
R. Estudié diseño gráfico y grabado antes de enfocarme en la pintura, lo que me dio la oportunidad de experimentar con varios medios como la xilografía, la serigrafía y técnicas contemporáneas como el dibujo digital. A través de esto, aprendí cómo diferentes herramientas visuales crean efectos distintos. Siempre me han fascinado las obras donde el método de creación no es inmediatamente obvio, como la abstracción geométrica o el fotorrealismo. Esto puede transmitir una sensación de seriedad o formalidad, ya que la pintura es inherentemente un proceso manual.
Recientemente, he estado incorporando más superficies aerografiadas en mi trabajo. Originalmente una técnica industrial, el aerógrafo produce mezclas increíblemente suaves que suavizan los elementos grandes y planos de mis composiciones. Mis personajes a menudo se representan con una luz fuerte y direccional que recuerda a las pinturas barrocas como el trabajo de Caravaggio. Creo que esta iluminación dramática añade un mayor sentido de gravedad a los temas personales que exploro en mis pinturas.
P. Mezclas magistralmente elementos 2D y 3D. ¿Podríamos compararlo con un discurso (o un pensamiento) que gana forma y profundidad a medida que se desarrolla?
R. Creo que esta combinación interrumpe el proceso de visualización y anima a los espectadores a ver las pinturas como escenas simbólicas en lugar de eventos reales. Las partes 2D son generales y emblemáticas y encarnan conceptos más amplios mientras que los elementos realistas son más específicos. Para mí, lo importante es el contraste y la combinación de estos diferentes modos de representación.
P. Tus obras son narrativas, muestran gran fuerza y teatralidad. ¿El teatro, o la performance, te ha influenciado de alguna manera?
R. Creo que el teatro es magia absoluta. Mientras que los efectos CGI en las películas pueden crear ilusiones impresionantes, me atrae la realidad condensada del teatro, donde los símbolos y los sets evocadores, los accesorios y los vestuarios juegan un papel central.
En la vida cotidiana, hay una gran cantidad de juego de roles, engaño y pretensión. El teatro, en contraste, se siente como un espacio seguro, todos los involucrados saben que lo que está sucediendo es una actuación. La pintura figurativa, por definición, también crea una ilusión, y a pesar de la diferencia en las herramientas, creo que las dos formas de arte tienen mucho en común. Los personajes en mis pinturas a menudo miran directamente al espectador, «rompiendo la cuarta pared». Pueden estar peleando o incluso matándose entre sí, pero siguen siendo conscientes de que están siendo observados.
P. Cuando se trata de historia del arte, ¿quiénes son tus artistas favoritos?
R. La pintura es un medio único porque captura la experiencia de una persona y dura mucho tiempo. A menudo siento una fuerte conexión con artistas que trabajaron hace cientos de años, ya que sus personalidades brillan a través de sus pinturas. Es difícil compilar una lista corta de favoritos.
Ver los frescos de los Hermanos Lorenzetti en Siena fue un momento muy importante para mí como pintor. Mi favorito de la infancia, El Bosco, continúa asombrándome, y fue una experiencia maravillosa ver sus obras en persona en el Prado. Es uno de los muchos artistas fascinantes del período que une la era medieval y el Renacimiento. Para mí, el trabajo de Kiki Smith o incluso Ryan Heshka resuena con las imágenes surrealistas de esa época.
Recientemente, me he interesado en artistas de la primera mitad del siglo XX, como Franz Sedlacek o Algernon Newton. Recibieron formación artística clásica pero eran libres de experimentar con diferentes estéticas, y los resultados son verdaderamente únicos.
P. Sé que estás súper ocupado y tu exposición en Madrid está casi completamente vendida. ¿Cuáles son tus próximos proyectos?
R. Este es un año emocionante para mí, ya que mis pinturas están viajando mucho. Hay una pintura en Londres en la exposición colectiva actual de la J D Malat Gallery, Portraits. En mayo, la 19Karen Gallery presentará dos nuevas obras en Australia, y también me estoy preparando para otra exposición individual en Zúrich en octubre, presentando material completamente nuevo.
‘Máté Orr. Observe as I Fly Away’ puede verse hasta el 22 de marzo de 2025 en la Twin Gallery de Madrid.
