Entrevista: Gabriela Jolowicz

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Gabriela Jolowicz

Gabriela Jolowicz, uno de los jóvenes talentos del arte alemán, nació en Salgitter en 1978 y vive en Berlín. En 2012, ha recibido el premio “Kunstpreis Holzschnitt Heute” de Xilografía Contemporánea por la Fundación Kreissparkasse Ludwigsburg. Con un estilo naive y un lenguaje joven, el impresionante trabajo de Jolowicz no sólo habla de vivir el presente, sino también de una reflexión del presente mismo en su proceso creativo. He hablado con Gabriela para saber más sobre su manera de crear, sus experiencias, y adentrarme, a través de sus ideas, en el mundo de la xilografía.

P. La xilografía es una técnica tradicional e importante históricamente como tecnología cultural pues ha permitido la copia y la trascendencia de ilustraciones, las prensa, etc. Tengo la impresión de que tu trabajo parece cubrir un espacio crítico entre lo clásico y lo contemporáneo, no sólo por la temática que has elegido, pero también considerando todo el proceso de trabajo de las piezas. ¿Por qué has elegido trabajar en una técnica tan meticulosa? ¿Quién o qué te ha inspirado en hacer esta elección?

R. Hay muchas razones por las cuales me gusta la xilografía. Como ya lo has apuntado: yo disfruto del contraste entre el aura antigua de la técnica y los temas mostrados en las imágenes, que hablan de vivir el presente. Quizás dentro de una década o dos, estas imágenes de cosas como un i-pod, un supermercado o una botella de plástico parezcan antiguas (“otra vez”). Los grabados eran como los periódicos para las personas. Incluso aquellos que no podían leer podían entender las imágenes. Y no cuesta mucho. Este tipo de impresión te permite enseñar tu trabajo en muchos sitios al mismo tiempo. Y como siempre hago ediciones en vez de una única pieza, eso mantiene el precio más abajo de lo que pagarías en general por una pintura.

London Pile (2010)

London Pile (2010)

Siempre me ha gustado hacer grabados. Antes de empezar con la xilografía hice grabados al aguafuerte y serigrafía. Me gusta especialmente la sorpresa que una tiene cuando ve su primer grabado. Es un poco como cuando vas a coger tus fotografías en una tienda… Sólo empecé con xilografías porque aún no había intentado. Tenemos varios estudios de grabados en mi Universidad. Lo hice no por hacer algún curso introductorio requerido, sino simplemente para experimentar por mi cuenta. Por eso, al principio la xilografía era una mezcla áspera de líneas y estructuras hechas por todos los tipos de herramientas. Nunca hubo un pensamiento abstracto. Hoy día me he vuelto muy meticulosa. Quizás eso sea temporal. Me gusta abrazar una técnica y hacer un trabajo tras otro, porque eso te permite ver mi proceso artístico, influencias o preferencias con el paso de los años mirando las xilografías que he hecho.

De alguna manera, la madera realmente no quiere que la cortes. Siempre trabaja en contra de ti. No es tan simple como dibujar con un lápiz, cuando haces algo mal no puedes deshacerlo. Por lo tanto, nunca puedes decir al principio como la imagen va a quedar al final. Suelo tomar algún atajo y desvío, y de repente lo sé: está hecho. Un detalle más podría destrozarlo todo.

P. ¿Cuánto se tarda (y se invierte) en el proceso de trabajo de una obra como “Going Nowhere”?

R. “Going Nowhere” es una de mis obras más recientes y la primera que hice del tamaño de un metro cuadrado. Me llevó muchísimo tiempo y el coste ha sido ridículamente bajo. La madera es del mercado de construcciones, el papel chino lo puedes comprar en un gran rollo… ok, vale, sí he utilizado muchísimas hojas de cuchillo.

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Going Nowhere (2011)

P. Es impresionante la manera que haces el vidrio, las trasparencias, botellas… ¿es difícil hacer eso? ¿Hay algún artista especial para ti que influya en tu técnica o filosofía?

R. No, no creo que sea difícil. Si pones en mente lo que debería salir en la imagen encuentras una manera de transportar tu idea. Me gusta mezclar más bien representaciones realistas con simplificaciones casi simbólicas. Y todas estas maneras son inspiradas por artistas, creo. Realmente me gusta mirar ilustraciones antiguas de la bíblia, donde puedes ver en qué el artista se ha especializado; por ejemplo: la anatomía de los cuerpos tiene una forma muy naive, pero la indumentaria que visten es extraordinariamente detallada. Hacer una mezcla de estilos en una imagen fuerza al observador a ir “errante” a través de ella. Pequeñas islas de detalles hacen la misma cosa.

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Acapulco (2009)

P. Cuando dices que la madera trabaja contra ti y la imposibilidad de deshacer algo, ¿no sientes que eso te hace aumentar la confianza en lo que estás haciendo?

R. Creo que cuando trabajas más y más con un medio te vuelves más confiada. No estoy segura si volverse confiada es realmente bueno. Cuanto más dudas, más ideas diferentes te permites para completar con otras. Por lo tanto (por ser menos confiada y más auto-crítica) quizás eso haga el resultado más misterioso…

P. Tu proceso artístico, como podemos ver en tu web, es realmente interesante porque vemos como tus trabajos se van convirtiendo en increíbles escenas. Una técnica antigua con sensibilidad y contextos jóvenes. ¿Hay alguna definición formal para tu obra?

R. No se si comprendo lo que te refieres con definición formal… ¿te refieres a si hay una ecuación matemática que resulta en la xilografía que estoy haciendo? Bueno, hay algunas constantes. El otro día tuve que escribir un “concepto” sobre mi trabajo. Realmente no me gusta hacerlo porque siempre suena a algo último o definitivo. De todos modos, quizás me ayude a contestar la cuestión. La imagen habla al observador sobre la observación privada del artista, y capturar la situación en xilografías monocromáticas es casi un arte contradictorio: el conflicto entre la fugacidad del momento y una técnica tan singular y pesada como la xilografía, que en un momento (una observación de la vida real por el artista) es un intento de captura, o de reconstruir un recuerdo, establece nuevas ideas sobre la representación. La reconstrucción es principalmente basada en el recuerdo, que da posibilidades a la ejecución inventiva según las preferencias personales del artista – pero –  al mismo tiempo, el artista trata de mantener el tema lo más auténtico posible. El resultado del proyecto nunca puede ser predicho.

System of a Clown (2012)

System of a Clown (2012)

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Bassy (2010)

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Commercial Road (2011)

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Scumart Tattoo (2008)

Más sobre Gabriela Jolowicz en http://www.hey-gabi.de

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