El artista nos habla de su exposición ‘Non Piangere’, inaugurada en junio en Madrid
A Juan Francisco Casas Ruiz (La Carolina, Jaén, 1976) ya lo hemos entrevistado en elemmental, pero ahora vuelve para hablarnos de su última y fantástica exposición ‘Non Piangere’, la vigésima en la carrera de este artista andaluz y que se podrá visitar en la galería Fernando Pradilla hasta el 28 de agosto.
La muestra incide en la figura de la pintora barroca Artemisia Gentileschi a través de la lectura de Anna Banti. Son 45 obras en diversos formatos, reuniendo pinturas, dibujos, esculturas y video, que ponen de manifiesto el papel heroico de las mujeres.
‘Non piangere’ es el resultado de la sumersión del artista en la vida y obra de Artemisia Gentileschi a través de modelos femeninos con profesiones relacionadas con el mundo del arte, heroínas, en las palabras de Casas, por abrirse paso en un contexto patriarcal que, como otros tantos, nos lo pone muy difícil a las mujeres.
Juan Francisco Casas vuelve a hacer gala de una técnica hiperrealista impecable que ha sido la que lo ha catapultado a la fama. Hablamos con él sobre los intríngulis de este proyecto.
P. ¿Por qué te has centrado en la figura de Artemisa para esta exposición?
R. Vi mi primera obra de Artemisia Gentileschi en Florencia en 2007 y desde entonces me ha parecido una artista impresionante, pero no fue hasta que hace 5 años encontré el libro de Anna Banti, Artemisia, en el que encontré la clave para entenderla y trabajar con ella. Tanto Artemisia como Anna Banti trasladan un diálogo autobiográfico a su obra, con la añadidura de que en el caso de Banti también es biográfico de Artemisia. En ese diálogo es de donde yo parto, de la inmersión total en una vida ajena y el profundo amor que ha surgido de todo este proyecto.
En la exposición a las obras de Artemisia y a su discurso autobiográfico, se superponen mujeres seguras, confiadas y fuertes, mujeres que son parte de mi biografía personal, la misma dualidad biográfica/autobiográfica de la novela de Anna Banti. Son todas amigas pertenecientes al mundo del arte que aparecen firmes delante de las obras y de las mujeres de Artemisia. Ella subrayó siempre el carácter heroico de sus retratadas, algunas frágiles y vulnerables, como Susana y los viejos, o Ester ante Asuero, otras duras y victoriosas como Judith decapitando a Holofernes o Yael y Sisara, otras perdiendo la batalla, pero siempre decidiendo su propio camino, como Cleopatra o Lucrecia, protagonistas exclusivas incluso de su propia derrota. Me interesa mucho ese heroísmo que yo intento trasladar a mis retratadas.
P. ¿Qué técnicas has utilizado para esta ocasión?
R. Son muy amplias, desde óleo hasta bolígrafo, pasando por rotulador, vídeo, escultura o mármol. El cuaderno de viaje que se incluye en el catálogo lo considero otra pieza.
P. ¿Qué dimensiones tienen las obras que muestras?
R. Hay dibujos de 350 x 250 cm, el más grande de mi carrera, y un dibujo de unos 3 cm que forma parte de una escultura.
P. ¿Cómo ha sido el proceso creativo de este proyecto durante estos 5 años?
R. En realidad, empezó en mi cabeza hace 12 años, cuando era becario de la Real Academia de España en Roma en 2007-2008, pero no empezó a materializarse hasta hace 5 años, una locura casi obsesiva de inmersión total. Al igual que Anna Banti filtra su propia vida a través de la obra de Artemisia, yo he filtrado la mía, cediendo el protagonismo a las mujeres que la determinan. Todas las obras reflexionan de diferentes modos sobre la dualidad de la voz, sobre la autoría de unas obras que forman parte de una vida, sobre el pasado y el presente, y sobre lo femenino desde sus diferentes representaciones y perspectivas.
Non piangere se compone de 45 obras y de una publicación prologada por Fernando Castro y por ti que narra a modo de personal cuaderno de viaje mi periplo en pos de las obras de Artemisia, a lo largo de 12 años y alrededor de todo el mundo, por colecciones, museos y sus almacenes. La exposición se concibió para coincidir con la primera exposición individual de Artemisia Gentileschi en un museo de primer nivel, la National Gallery de Londres, aunque ambas muestras fueron pospuestas debido a la pandemia. Es una muestra que va de lo biográfico a lo autobiográfico, y sobre ese juego especular y recíproco siempre presente en mi obra, así como en la obra de Artemisia Gentileschi y en la de Anna Banti. Es una muestra que habla de cómo el arte transforma la vida, pero también su viceversa, de la vida misma reflejándose en el arte.
P. ¿Qué hilo conductor une a tus modelos?
R. Son todas amigas mías profesionales del mundo del arte, artistas, galeristas, historiadoras, críticas, arquitectas, actrices, etc. trasladadas a la dimensión heroica de las mujeres de Artemisia: pocas cosas tan heroicas como ser mujer y dedicarse al arte en España.
P. ¿Qué hay de feminista en que un hombre dibuje mujeres desnudas?
R. Lo mismo que dibujarlas vestidas. Partimos de que todo en la vida debería ser feminista (o antihomófobo, antiracista) y en el caso de la exposición, también. Por supuesto me encanta el debate al respecto, pero me quedo con posiciones como la de Lynda Nead cuando escribe que estar sin ropa es estar sin disfraces y ser libre de las convenciones patriarcales de la sociedad occidental o Elizabeth Grosz cuando reafirma al cuerpo como un objeto político. Entiendo que haya quien discrepe de eso, pero también hay quien discrepa de esto por posicionamientos puramente conservadores: dejar que una mujer haga con su cuerpo lo que quiera es el primer paso para la liberación sexual que ciertos sectores entienden como el prólogo de la revolución social, como escribió Peter Webb. Yo siempre retrato a mujeres como quieren, desde su punto de vista y muchas veces partiendo de sus ideas. Supongo que eso asusta a muchos.
P. ¿A qué se debe el cambio de canon en alguna de tus modelos?
R. No creo en el canon, es un constructo social impuesto, yo solo retrato a mis amigas como les apetece, ese es mi único canon. El canon físico es algo que ni me planteo, pero sí creo que existe una presión social para no mostrarse si tienes ciertas medidas y eso dificulta ver determinados físicos. Como ves en la exposición no es algo que a mí me importe. No ha habido un cambio de canon, simplemente en este proyecto han participado otras amigas. El canon tanto el físico como el de la historia del arte ha sido un mecanismo de exclusión más que una herramienta de selección estética. Siempre he pintado mujeres de diferentes tallas (aunque sí es la primera vez que dibujo a una amiga embaraza) pero hay que preguntarse en la responsabilidad de los medios de comunicación que siempre destacan mis obras más normativas y más sensuales porque les interesa destacar eso. Hay que ver quién invisibiliza aquí a quien, pero desde luego no soy yo. Afortunadamente hay grandes periodistas y críticas mujeres a las que no les interesa la visión estereotipada que suelen dar muchos periodistas hombres sobre mi obra y mis motivaciones.
P. ¿Qué ha supuesto la cuarentena para esta exposición y para ti?
R. Ha sido lo más intenso que he hecho nunca, una zambullida total, una relación intensa y casi obsesiva, con diferencia la más larga de mi vida. Realmente ha sido como enamorarse.
P. ¿Cómo crees que van a afrontar los artistas la nueva normalidad?
R. Teniendo en cuenta de que casi ninguno en España se gana la vida con esto, imagino que dependerá de cómo les vaya con sus otros trabajos. Respecto al tema de la reclusión y demás, creo que no habrá mucho problema, al menos no en mi caso. La labor de un artista es hacer arte, no dedicarse a socializar.
P. ¿Te planteas cambiar tu base de Madrid a un lugar con menos gente?
R. No, pero si esto vuelve tengo un estupendo estudio nuevo a estrenar con piscina en el pueblo, así que igual cuando acabe la exposición Pushkin (el gato) y yo nos mudamos allí un tiempo.
P. ¿Está el mercado del arte preparado para la COVID-19?
R. En España el mercado del arte apenas existe, así que algo que no existe no puede estar preparado para nada.
P. ¿Qué le exigirías al Ministerio de Cultura?
R. Que fuera un Ministerio de Cultura.
La exposición se podrá visitar hasta el 28 de agosto en la galería Fernando Pradilla en Madrid. Tienes más información aquí.
