Paul Pretzer: «El espectador no debería nunca poder entender las cosas por completo»

El pintor estoniano nos habla de su proceso creativo. Su muestra I can see clearly now puede verse en estos momentos en Barcelona

Explorar lo absurdo, lo nos provoca perplejidad y curiosidad, es precisamente lo que busca el pintor estoniano Paul Pretzer (Paide, Estonia, 1981).

El artista, residente en Barcelona y en Berlín, trabaja la figuración con un trasfondo surrealista y presenta a sus espectadores situaciones tan inesperadas como bien humoradas.

Con abundantes referencias a la historia del arte y la cultura popular, los cuadros de Pretzer nos transportan a un mundo de fantasía, a cuentos ambiguos que no tienen necesariamente una moraleja y, sin embargo, son capaces de emocionar.

Aquí sus personajes, en su mayoría solitarios, se metamoforsean, protagonizan bodegones y retratos y, en ocasiones, se molestan por su soledad. La intención del artista es crear un espacio de interpretación con estos elementos, más que contar una historia lineal.

El resultado es fascinante. Las obras de Pretzer han viajado el mundo, en especial por Alemania, donde ha crecido y estudiado. También por Estados Unidos y España, representado por Marc Straus Gallery (Nueva York), Feldbuschwiesnerrudolph (Berlín) y Uxval Gochez (Barcelona).

Actualmente, sus obras pueden verse en estos momentos en I can see clearly now, su primera exposición individual en la galería Uxval Gochez hasta el 19 de octubre.

 

 

P. Cuando miramos sus pinturas, a menudo sentimos que estamos en un cuento de hadas. Siempre hay una narrativa que intentamos descifrar. ¿La literatura influye en tu trabajo?

R. La influencia puede provenir de muchos lugares, pero la literatura puede ser sin duda uno de ellos. El cuento corto absurdo de Nikolái Gógol, La nariz, siempre me fascinó. Allí Gogol cuenta las cosas más absurdas de una manera muy ordinaria y cada vez que pongo una nariz en uno de mis cuadros tengo esta historia en el fondo de mi mente. Lo bueno de esta historia es que no hay explicación para lo absurdo. Tengo la misma intención: el espectador no debería nunca poder entender las cosas por completo. Nunca hay ningún tipo de conclusión. Me gusta mantener las cosas en abierto. En mi caso, se trata más de crear un espacio de interpretación que de contar una historia lineal.

 

 

P. Sueles jugar con el humor y el absurdo para hacer estas pinturas tan divertidas; incluso tus bodegones están llenos de ironía y, de alguna manera, son un poco oscuros. ¿Qué te lleva a eso?

R. Lo absurdo de mis obras suele estar relacionado con las necesidades formales y abstractas de cada pintura. Para que una composición funcione, la pintura pide una cierta cantidad de cierto color en un lugar determinado. Ese es el primer paso. El segundo paso es elegir una cosa u objeto en particular que cumpla con estos requisitos.

Así es como obtengo estos arreglos extraños: creo que la forma y el color primero y el contenido en segundo lugar. Pero también creo que en general evocar una emoción en el espectador es requisito fundamental de cualquier práctica artística. Me satisface si a alguien le divierte o le confunde mis pinturas.

 

 

P. ¿Qué otras emociones quieres evocar con tu trabajo?

R. Cualquier tipo de emoción es bienvenida. Una vez, una pareja de coleccionistas compró un cuadro y se lo llevó a casa. Una semana después regresaron a la galería y dijeron que les encantaba el cuadro pero que tenían que devolverlo porque sus hijos le tenían miedo. Esa es una buena reacción también, creo. Generalmente me gusta cuando la gente no está realmente segura de cómo sentirse acerca de mis trabajos. Cuanto más ambiguas sean las pinturas, mejor, como cuando se alterna entre dos puntos contrarios, por ejemplo, gracioso y triste.

 

 

P. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

R. Tengo este estanque en mi cabeza que se alimenta constantemente de diferentes corrientes. La corriente más grande es definitivamente la historia del arte. Me gusta ir a museos para mirar cosas y ver si puedo encontrar alguna pieza que funcione para mis propósitos. Un poco como un DJ en busca de samples. Luego también está la cultura pop e Internet fluyendo allí también. Recientemente encontré muchas cosas interesantes en Instagram. Así que todos estos fragmentos y piezas se mezclan en este estanque y flotan hasta que hay una conexión entre ciertas cosas que parecen valer la pena pintar.

 

 

P. ¿Cuáles son sus materiales y técnicas favoritas? ¿Hay algo que no haya experimentado todavía pero que esté deseando probar?

R. Me gusta pintar cuadros de pequeño formato al óleo sobre MDF. La forma en que la pintura se asienta sobre estas superficies duras es muy atractiva. También puedes conseguir los paneles en todos los formatos en la ferretería y son bastante económicos. Cuando la composición no parece bien, puedes cortar fácilmente una pieza. Cuando no pinto, me gusta dedicarme al grabado.

Realizo unos grabados y linóleo en el centro de San Lluc, que está al lado de donde vivo en Barcelona. En algún momento me gustaría hacer una película, pero de momento eso es muy incierto. Un arreglo de situaciones extrañas combinadas libremente con composiciones muy estrictas. Un poco como el director sueco Roy Andersson. Soy un gran admirador de su trabajo.

 

 

P. ¿Cómo decides que una composición es buena? Cuéntanos un poco sobre tu proceso creativo.

R. Como dijo Maurice Denis: «Una pintura es una superficie cubierta de pintura en un cierto orden». Entonces, como pintor, uno tiene que encontrar la posición correcta para los diferentes elementos con los que se ha decidido trabajar y elegir el color adecuado para ellos. Como pintor figurativo, es como hacer malabares con tres bolas a la vez: 1) composición 2) color, y 3) contenido. Siempre debes tener en cuenta los tres y si te concentras demasiado en una cosa, se derrumbará. El objetivo es llegar a ese punto en el que todo el conjunto se equilibre y se mantenga unido. Hay un punto en el que te alejas y las tres bolas siguen haciendo malabares por sí mismas, es cuando la pintura está terminada.

 

 

P. ¿Hay alguna obra de arte que puedas decir que ha cambiado tu vida como artista?

R. Cuando era pequeño, mi tía tenía un libro con obras del Hermitage de San Petersburgo. Pintores como Iliá Repin, Iván Shishkin, Vasili Súrikov y demás. Me impresionaron mucho estas pinturas y, como no tenía ni idea de lo que se enseñaba en las academias de arte alemanas, pensé que obtendría una educación clásica como pintor.

Pero entonces mi primer profesor en la escuela de arte me confrontó con Joseph Beuys, Marina Abramović y Santiago Sierra. Eso fue muy importante para mí. Comprendí que el arte en realidad podía ser una amplia gama de cosas. También la gran exposición de Matthew Barney en Colonia, donde vi el Cremaster Cycle, fue un gran cambio de mentalidad, me perturbó profundamente y me mantuvo ocupado durante mucho tiempo.

 

 

P. ¿Quiénes son tus artistas favoritos?

R. Me gustan los pintores que tienen un enfoque muy estricto en el color y la composición. Pierre Bonnard, Francis Bacon, Max Beckmann, Giorgio Morandi y Euan Uglow, por ejemplo. Las esculturas de Mark Manders y los videos de Julian Rosefeldt y Ragnar Kjartansson me impresionaron mucho.

 

 

P. ¿La pandemia afectó su vida y su trabajo?

R. Pasé todo el tiempo del encierro en nuestro apartamento en Barcelona. Y como trabajo en una habitación de nuestro piso pasé una temporada bastante productiva. Aunque se cancelaron muchos espectáculos y proyectos para la primavera y el verano, también lo tomé, sinceramente, con una sensación de alivio. Tiendo a viajar mucho (¿demasiado?) y estar en un lugar durante un par de meses me ha hecho sentir muy bien en realidad.

 

 

P. Has estado viviendo en diferentes países y hoy vives en Barcelona desde 2015. ¿Qué tal por aquí? ¿Cuál de estos países te dio las experiencias más importantes en lo que respecta al arte?

R. Nací en Estonia en 1981, que en ese entonces formaba parte de la Unión Soviética. Todavía tengo algunos recuerdos bastante vívidos de esa época, y vivir en un país comunista fue en realidad una experiencia interesante e importante. Luego, nuestra familia se mudó a Alemania Occidental en 1988 y yo crecí en una pequeña ciudad cerca de Hannover. En 2002, comencé a estudiar arte en Kiel y luego me cambié a la academia de arte en Dresde donde terminé mis estudios en 2007. El cambio a Dresde fue muy importante para mí porque tenían una tradición pictórica muy fuerte, buenos museos y algunos buenas galerías allí.

Después, me mudé a Berlín porque todavía se consideraba el epicentro de la escena artística europea y allí conocí a gente genial, pero en ese momento la ciudad comenzó a perder sus principales ventajas: alquileres bajos y espacio. También pasé 9 meses en Nueva York y trabajé para una exposición que tuve en Marc Straus Gallery. La energía en esta ciudad es increíble y todos los artistas deberían visitar Nueva York al menos una vez, pero decidí que no es un lugar para mí. Lo encontré demasiado agotador. En 2015, hice una residencia de artista en el Centro de Arte y Cultura Espronceda de Barcelona y me enamoré de la ciudad, y de una chica llamada Izabela. Desde entonces, estoy yendo y viniendo entre Berlín y Barcelona, y estoy bastante contento con este plan.

 

 

P. ¿Cuáles son sus impresiones del panorama artístico en Barcelona?

R. Me mudé a Barcelona por la calidad de vida en primer lugar, si te gusta el concepto de vivir en una ciudad que ¡es uno de los mejores lugares del mundo! Y tiene suficiente para ofrecer artísticamente. Pero al mismo tiempo no tienes miedo de perderse algo, como en Berlín, donde puedes sentirte abrumado por el arte. Los espectáculos de Caixa Forum y de Fundación MAPFRE suelen ser muy buenos, y de vez en cuando hay buenas exposiciones en las galerías.

Mi impresión personal es que hay muchas propuestas conceptuales sucediendo aquí, y también cosas relacionadas con el arte urbano. No es lo mío necesariamente, pero creo que las personas que trabajan en estos campos tienen un buen foro aquí. Pero da gusto ver que también hay artistas locales como el pintor Guim Tió, por ejemplo, que viven y trabajan en Barcelona, ​​se dedican a la pintura y obtienen reconocimiento internacional.

 

 

P. Acabas de inaugurar tu exposición en la galería Uxval Gochez aquí en Barcelona. ¿Qué viene después?

R. Mi primera exposición individual I can see clearly now en la galería Uxval Gochez seguirá abierta hasta el 19 de octubre. Debido a la situación de la covid, las cosas son bastante imprecisas en este momento. Hay algunas ideas en el aire, pero veremos qué sucede.

Nadie quiere comprometerse con grandes proyectos en este momento. Mi profesor Peter Nagel de Kiel cumple 80 años el próximo año e invitó a algunos de sus antiguos alumnos a mostrar con él en la Stadtgalerie Kiel la próxima primavera. ¡Será bueno volver allí después de tanto tiempo!

 

I can see clearly now se podrá visitar hasta el 19 de octubre de 2020 en la galería Uxval Gochez. Puedes ver más obras de Paul Pretzer en su página web y su perfil de Instagram.