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Alvarez Rabo: Compendio Analítico Gliscromorfo ARTE

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El Compendio Analítico Gliscromorfo ARTE (CAGARTE) es la última entrega de Alvarez Rabo, con el apoyo de Daniel Castillejo, director del Museo Vasco de Arte Contemporáneo Vitoria-Gasteiz, Artium.

En la ocasión de la presentación del libro, que ha coincidido con el Día Internacional de los Museos (16 y 17 de mayo), Alvarez Rabo ha enseñado finalmente su rostro.

La razón de semejante discreción cuanto a su imágen a lo largo de su carrera se debe a que, según la versión autobiográfica oficial, trabaja en unos grandes almacenes y quiere conservar su trabajo, aunque afirma que sus hijos ya están crecidos y ahora pueden “soportar la vergüenza”, teniendo en cuenta que parte de su polémica obra ha sido prohibida en España y otros países.

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Compendio Analítico Gliscromorfo ARTE. Haz clic en la imágen para ampliarla.

De completa actualidad, el Compendio Analítico Gliscromorfo Arte de Rabo es muy buena caricatura crítica del arte contemporáneo. Si es “analítico”, es porque disecciona a los problemas de este mundillo en pequeñas unidades cómicas. Y si es “gliscromorfo”, es porque el arte contemporáneo es también espacio abierto a la pedantería, pero no por ello cerrado al humor.

Y es que aunque el arte contemporáneo venga, en muchos de sus movimientos, cubierto de reinvidicaciones políticas, se hace difícil ignorar que se encuentra ubicado en el capitalismo salvaje del todo-se-vende, todo-vale y más vale que sea caro.

Así que del discurso afectado, hacia la política, financiaciones y becas, el historietista no deja por un instante de hacernos reflexionar sobre la percepción académica del arte, como en el papel de las instituiciones, galerías, museos, curadores, visitantes o la condición misma del artista.

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Compendio Analítico Gliscromorfo ARTE. Haz clic en la imágen para ampliarla.

Para los aficcionados del cómic, historiadores del arte, artistas y estudiantes, el nuevo trabajo de Rabo es una grata sorpresa y las risas están garantizadas.

Hecha en su más su puro estilo –pese a que el historietista ya había comunicado su suicidio artístico en 2002 y lo sigue afirmando– es rápido, inteligente y directo al punto. Entretiene y sus 201 páginas se leen del tirón. Juzguen ustedes mismos.

Puedes comprar el Compedio Analítico Gliscromorfo Arte (CAGARTE) en la tienda de Artium. Además, puedes leer una entrevista reciente a su autor aquí.

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Entrevista: Estela Cuadro

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La pintora argentina Estela Cuadro nos presenta su adorable obra que, con un estilo único, danza entre el surrealismo, los sueños y la fantasía. Para la artista, el arte va mucho más allá de la producción de imágenes, mueve la intuición y la imaginación en todos los ámbitos de la vida.

He hablado con la artista para conocer más sobre sus inspiraciones y su proceso creativo. Aquí tenéis la entrevista y una pequeña muestra de su magnífico trabajo.


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“Mamá, voy a ser artista.” ¿Cómo empieza tu carrera? ¿Qué es lo que te llevó a dedicarte al arte?

 A los 5 años empecé mi primer taller de dibujo y pintura, desde ese momento no dejé de relacionarme con el arte.

¿Dónde te sueles inspirar? ¿Qué/Quiénes consideras que son tus principales influencias? 

La música, la danza, los libros, los sueños, la meditación, los viajes, las plantas, muchas cosas son las que me transmiten ideas. Todo lo que observamos, vivimos, consciente e inconscientemente son fuente de inspiración para cada obra. El poder estar rodeado de mi taller lleno de colores, plantas, pájaros, objetos que colecciono y admiro, libros de otros artistas.

Silvia Mato, fue una de mis profesores de mayor influencia en mi carrera como artista.

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¿Cuál es tu técnica favorita o que la te sientes más cómoda?

Me gustan muchas las técnicas. Actualmente suelo hacer un mix de varias, en las que prevalece acuarelas, acrílicos, entre otras.

¿Cómo ves en mercado del arte hoy día con el auge de los medios virtuales? ¿Cómo manejarse en un mar de posibilidades tanto de difusión como de reproducción?

Aunque las obras de arte se difundan muchísimo en diferentes  sitios online, nunca va a tener el valor de un original. Una obra original es admirable, desde su técnica, texturas, soporte, no tiene comparación alguna el tener un original a tener una impresión. Cualquier persona que entienda o admire el arte busca la obra en sí, no un print. Por eso no veo malo que se difunda muchísimo y en muchos links, la idea es poder mostrar lo que cada artista hace, darse a conocer, sin perder el valor del arte concreto.

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¿Qué consejos darías a los jóvenes que están empezando?

Que el arte es realmente placentero y que cada día disfruto más de mi profesión. El arte permite abrir mucho la intuición, creación e imaginación tanto un un lienzo como en la vida. Es valorable poder vivir de esta manera, a mí particularmente me hace muy feliz.

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Para ver más obras de Estela Cuadro no dejes de pasarte por su website, tumblr o facebook.

Outings Project: Paris

The Outings Project: El Museo en la Calle

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The Outings Project es un increíble proyecto participativo, iniciado por el artista visual y filmmaker Julien de Casabianca, que busca la simbiosis entre museos y arte urbano. Ha empezado hace tan sólo unos meses y ya es un éxito en varias ciudades del mundo.

outings-movilCasabianca reconoce que las visitas a los museos hacen que los visitantes se interesen de manera prioritaria por las obras más famosas, mientras tantas otras siquiera son asimiladas, dada la gran cantidad de pinturas que puede haber en una colección. Este es uno de los hechos que también motivan su proyecto, la difusión de estas innumerables obras que han caído en el olvido.

Outings Project: Barcelona
Outings Project: Barcelona

Cualquiera puede participar y llevar el arte desde las paredes de los museos a las calles. Todo son estímulos: los propios museos y también escuelas están invitados. El procedimiento es bastaste sencillo: ir al museo más cercano –pues se trata de divulgar el arte local– y con el móvil fotografiar una o varias obras, imprimirlas y pegarlas por la ciudad. El equipo de Outings Project se propone a ayudar a preparar la imagen e imprimirla a los que así lo deseen, además de dar toda la información sobre qué tipo de obras elegir o dónde es más adecuado pegarlas.

Gente de París, Barcelona, Rio de Janeiro, Nueva York, Madrid y muchas otras ciudades ya se apuntaron a la idea.  El resultado es delicioso. Puedes ver las diversas galerías de imágenes en la web de Outings Project.

Outings Project: Paris
Outings Project: Paris
Outings Project: Paris
Outings Project: Paris
Outings Project: London
Outings Project: London
Outings Project: London
Outings Project: London
Outings Project: Madrid
Outings Project: Madrid
Outings Project: Madrid
Outings Project: Madrid
Outings Project: Los Angeles
Outings Project: Los Angeles
Outings Project: Padova
Outings Project: Padova
Outings Project:  Rio de Janeiro
Outings Project: Rio de Janeiro
Outings Project: New York
Outings Project: New York
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Joel Rea: Surrealismo Sublime

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Las pinturas a óleo de Joel Rea (Queensland, 1983) deslumbran por su talento y energía. Hiperrealista, el artista australiano también se define como un pintor del surrealismo contemporáneo. Juega con la potencia, con los dualismos de nuestra sociedad, pero también con la fragilidad de la vida ante la naturaleza que nos la da y nos la quita.

Cielos, mares y grandes esculturas naturales narran la metáfora existencial del artista de encuentro a una estética de lo sublime. Así, se magnifican paisajes, animales y personas en contextos donde estos espacios y estímulos escapan a su control.

Rea ha terminado sus estudios de Bellas Artes en el 2003. Ha recibido numerosos premios incluyendo el Sulman Prize y el Black Swan Portraiture Prize del cual ha sido finalista un par de veces y reconocen su contribución a la panorama del las bellas artes mundial.

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No dudes en ver la galería completa del artista en su página web.

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Joyce Ho: violencia pacífica

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Las pinturas de Joyce Ho (Taiwan, 1983) rozan el surrealismo pero son sobre todo una puesta en escena. Con una gran influencia del teatro, la artista -que se ha mudado a los Estados Unidos a los 14 años- plantea sus composiciones como si de un acto de dirección se tratara. Y eso es así porque también ha trabajado con compañías de teatro haciendo pintura para escenarios.

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Su obra atrapa nuestra atención tanto por las temáticas elegidas, casi siempre amargas, como por su paleta de colores. El amarillo chillón hace contraste con las sombras, los marrones, rojos y verdes. Su puesta en escena y combinación de elementos emocionales que van desde la ironía a la impotencia, conforman lo Joyce Ho ha decidido llamar “violencia pacífica”.

Pero más que sentirnos violentados, lo que Joyce logra es que nos imaginemos un contexto para cada obra, y que nos planteemos ciertas situaciones existenciales que solemos evitar sobre todo si somos jóvenes. Si te ha gustado y quieres ver más, pásate por su página web.

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Akos Major: poesía visual

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Uno de los primeros pensamientos que tuve al ver las fotografías de Akos Major (Budapest, 1974) es que son verdaderos poemas y a su autor hay que seguirlo. Con un estilo único y una post producción muy bien cuidada, cada proyecto suyo -por no decir cada foto- nos invita a una narrativa diferente.

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Los tonos pasteles nos hacen percibir que el artista no juega solo con diferentes espacios, sino también con distintas sensaciones temporales. Las composiciones, acertadas casi en su totalidad, marcan un espectro emocional inspirador.

Akos Major se graduó en Comunicación Visual en Budapest, Hungría. También es diseñador gráfico. Según cuenta, la fotografía para él ha empezado como un hobby pero hoy por hoy es lo que considera más importante. Las fotografías que encuentras aquí son de los proyectos Water, Leisure y Urbanesque, pero hay mucho más en su página web y merece la pena visitarla.

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revista cultural

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